La foto transmite una calma propia de una imagen suspendida en el tiempo. Un adolescente de unos 17 años, vestido de traje blanco y mirada incierta, sentado sobre una silla de madera, con las piernas cruzadas y la inmensidad del campo entrerriano a sus espaldas. Roberto Fidel Ernesto Sorokin ya era Coti pero todavía no había escrito ni interpretado algunas de las canciones más reconocidas en el último tiempo. “Esa foto me la sacó alguien que me influyó mucho, un tipo mayor que yo y muy artístico, cineasta, fotógrafo”, le dice el músico a Teleshow en la oficina de su productora en Buenos Aires y plantea sin querer un viaje en el tiempo. De este artista consagrado a aquel adolescente lleno de sueños que retrató Danilo Lavigne, el realizador concordiense fallecido en 2012 que de alguna manera tira una botella al mar. “La flasheó en vestirme así e hizo un shooting ahí en el medio del campo, en Concordia, al lado del río”.
Coti guardó esa foto como tantas otras sin saber que casi 40 años después la iba a usar para ilustrar Serenata en Mi mayor para un amor y un atardecer, su primer disco con canciones nuevas en diez años. Todo se disparó en medio de la grabación del álbum, mientras buceaba con sus hijos mayores revolviendo cajas en busca de quién sabe qué cosa, hasta que entre hojas y partituras apareció la foto. “Esta es la tapa del nuevo disco”, le dijo Dylan, como quien siente una corazonada y sabe que no va a necesitar convencer demasiado a su padre
La idea sonó tan natural que desde ese momento Coti no pudo pensar en otra alternativa posible: “Yo soy muy fan de George Harrison y hay una cosa All Things Must Pass en la foto”, dice Sorokin, uniendo en la inmensidad de la campiña la gran obra solista del beatle silencioso. “Son esas señales que te ayudan a cerrar un concepto y te bajan una línea de sonoridad. Hasta la tapa del álbum es análoga y remite a algo atemporal, alguna atmósfera medio reflexiva también. Y un buen álbum tiene que tener una cosa armónica”, agrega, casi como una declaración de principios.
El camino para abordar Serenata en Mi mayor… es circular, casi laberíntico, como transmite la canción que le da inicio y que invita a una escucha atenta en la que perderse puede ser un buen síntoma. Además de la tapa, la grabación sin abusar de la tecnología, el espíritu de la música tocada en vivo, y la edición primero en soporte físico y luego en el plano digital sugieren un concepto de época. Una manera de entender el arte forjada en la vieja escuela sobre la que edificó un camino solista que se acerca a los 25 años.
El próximo 19 de noviembre, Coti se presenta en el C Art Media a casi un año de la salida del disco para dar un cierre simbólico a un proceso que solo le trajo satisfacciones. Por caso, tocar en el mítico The Cavern de Liverpool, el sótano donde se gestó la leyenda beatle, o montar una puesta sinfónica en el Museo Guggenheim de Bilbao del que quedó un registro en vivo para ser editado en un futuro. “No hay edad para debutar” dice el músico y de alguna manera enlaza el espiritu de su catálogo: con el pulso rockero como para tocar en un antro y con la elegancia para ser vestida para las galas. Y para su Buenos Aires querido y adoptado promete una puesta . “Vamos a tener muchos invitados y en un momento especial”, anticipa.
—¿Esas canciones son del último tiempo o las fuiste a buscar muy atrás?
—Es un mix. Todos mis discos siempre son un mix, desde el primero hasta este último porque yo trabajo de esa manera. No trabajo con la actualidad, no me interesa ese registro medio perioartístico de registrar el momento. Para mí es más un 3D, buscar ideas que estaban dando vueltas, que quedaron inconexas, que me quedaron ahí un poco con la sangre en el ojo porque no le podía encontrar la vuelta.
—¿Está tocado en vivo?
—Es un disco de estudio, pero está grabado como se grababan los discos en los 70, con las bases grabadas en vivo sobre las que se hace el overdub, la construcción de diversas capas. No es que estamos todos en un mismo lugar, hay diferentes etapas; pero sí está grabado por instrumentos con músicos. La tecnología la usamos de una manera orgánica, podríamos decir a nuestra merced, como una herramienta artística, con el ProTools, las grabaciones digitales, pero no invadiendo o haciendo el trabajo que nosotros no teníamos ganas de hacer. Hoy en día pasa eso, hay muchas herramientas que si vos querés, apretás un botón y te hace el disco entero.
—Hay bastante movimiento en el disco, en las letras, en la idea de laberinto, las ciudades y paisajes que aparecen. No sé si llamarlo una road movie, pero hay muchas canciones con ese sentimiento.
—Eso es un poco un común denominador en mis canciones, en mi vida en realidad, y es una muestra de cómo siento esos lugares, cómo lo proceso, qué significan en mí. Me preguntan mucho “de dónde soy” o “de dónde me siento” y me cuesta responder; hay un poco de “no soy de aquí ni soy de allá” y me gusta, no me acompleja. Lo veo como un valor agregado, porque me siento como en casa en un montón de lados. Amo esta ciudad, amo Buenos Aires por elección. Amo Concordia, donde están mis viejos, tengo toda una historia ahí muy fuerte. Lo mismo pasa con Rosario, lo mismo con Madrid. Más allá de los viajes, las giras, estoy todo el año durmiendo no más de tres noches en un mismo lugar. Eso es una constante.
—Es la vida del músico.
—No de todos, pero la nuestra es así, sostenida por mucho tiempo. Tampoco tengo esa dinámica que tienen algunos artistas de parar dos años, hacer un disco y salir a tocarlo y volver a casa. Mi dinámica siempre fue la de un never stop, como un loop, en el que hay muchos artistas, como Bob Dylan, por ejemplo. Y yo ya estoy habituado después de tanto tiempo.
La canción como forma de resistencia
En la forma de grabar el disco, la portada analógica y conceptual, la edición primero en vinilo y en casette, las diez canciones de a cinco por lado reflejan para Coti, además de una gratitud al punto de partida, un respeto por el oficio, por sus compañeros y sus inspiradores. “Es una forma de hacer una obra que perdure, que no quede solo en los likes y las reproducciones”, dice, e invita a una reflexión.
—No te llevás bien con las formas actuales por lo que veo.
—Es que es incluso viejo pensar así, porque lo ultramoderno me parece vintage. Ya pasó de moda eso de hacer un tema, subirlo a redes y a ver cuántos likes tiene. Ahora me parece que lo más copado es volver un poco a pensar en la música como algo que quede, que en diez o quince años haya chicos que descubran algo interesante en una canción.
—¿A vos te sucede eso con este camino recorrido?
—Sí, vienen chicos de veinte años que son músicos, y me dicen: “yo aprendí a estudiar armonía con tal canción”. Y es lo que nos pasaba a nosotros con los discos de Almendra. Ni habíamos nacido para esa época y sin embargo, veinticinco años después, nos rompió la cabeza. Para mí hay que trabajar así.
—En el disco hay composiciones con el Cuino Scornik y con Manuel Moretti, dos artesanos de la canción y sobre todo de la palabra. ¿Cómo fue ese diálogo?
—A mí no me gusta resolver una canción, no lo necesito. No creo que una canción haya que resolverla en una juntada o en una sesión. Siento que eso está mal, no me siento cómodo y me gusta trabajar de otra manera. Juntarnos, construir algo y ver en tres días qué queda de eso.
—Tomar un poco de distancia.
—Exacto. Olvidarme, hacer cinco conciertos, volver y ver qué se puede rescatar. Esa distancia es fundamental, porque ahí vas teniendo la real dimensión de lo que es válido o no de eso que estás haciendo. Es como escribir y releer y corregir, algo fundamental para cualquier obra. Porque estamos acostumbrados a la instantaneidad, que sirve para algunos estilos, como para el jazz, pero eso es otro tipo de lenguaje. El lenguaje de la canción no funciona así, es como hacer una película donde tenés que escribir el guion, ver el diálogo, la toma, la luz, la fotografía, el vestuario, la escenografía, los actores y después, editarlo. Una canción es eso, es un trabajo al que tenés que darle amor, y tenés que tener paciencia. Y saber escucharla con el paso del tiempo, porque capaz que un día te levantás y vas a saber exactamente qué es lo que está bien y qué está mal. Yo no tengo una fórmula para componer, lo único que no doy por hecho es: “Ah, ya se me ocurrió esto, está buenísimo, vamos, esto ya es una canción, subilo esta noche”, porque así llegamos en este lugar donde la inteligencia artificial nos puede suplantar.
—¿Por qué pensás que nos puede suplantar?
—Porque lo que estamos haciendo es una mierda. No hay reflexión, no hay corrección, no hay autocrítica, no hay curaduría de lo que hacemos. Los momentos de inspiración, o esto de componer a cuatro manos, a veces funciona porque te juntás y empieza a haber como una escalada. Y te juro que de eso sirven tres cosas. Y no importa, es un montón que sirvan tres cosas. Pero después tenés que seguir construyendo sobre eso a ver qué es lo que se necesita.
—¿Qué pasa una vez que la canción supera todos estos filtros y finalmente la grabás? ¿La soltás o todo el tiempo la estás mirando un poco de reojo?
—Vos imaginate que cuando escribís un texto, tenés el poder absoluto sobre eso. Entonces depende de vos hacer algo que realmente emocione, o algo que la gente ni lo lea, o algo que la gente lea los tres primeros renglones y después no lea más. Y todo eso depende de lo que vos hagas con eso. Hay canciones del disco que grabé cuatro o cinco veces, que quedaron mal grabadas, que intenté con un productor, que volví atrás y grabé otra versión. Ojalá fuera tan fácil.
Las canciones, la vida propia y la mutación
En la previa al nuevo álbum, Coti estuvo visitando su repertorio en la voz de artistas diversos que abrieron múltiples vertientes a su catálogo. Así quedaron “Luz de día” con Ángela Torres y La K’onga, “Últimamente” con Francisco de Cruzando el Charco, “Te quise tanto” con Miranda! o “Tu nombre” con Yami Safdie, entre otras. Un ejercicio que el músico define como lúdico y que prueba toda esa orfebrería en torno a las canciones que soportan el paso del tiempo y el rigor de cada estilo.
“Eso es otro tipo de juego, como si fuera otra disciplina dentro de la música”, explica el rosarino. “Hay todo un trabajo que ya está hecho, aceptado, y te podés dar el lujo de saltar sobre eso y jugar sobre ese laburo. No va a cambiar la vida mía ni la de nadie, porque esas son canciones que ya conoce todo el mundo. Es como jugar un amistoso, no estás jugando al campeonato del mundo ahí”.
—Te sentís cómodo en ese lugar.
—Es un juego que me divierte y también hay muchos chicos y chicas jóvenes que son fans de ese repertorio y que también ayudan a que ellos le den su chispa, y que su propio idioma conecte con un montón de gente que ya las conoce, por ahí inconscientemente, porque se la enseñaron en el colegio, o la escucharon en la radio o se las mostró alguien, y que de repente la redescubre.
—¿Como compositor te sorprenden los colores que puedan adoptar esas canciones que nacieron de una manera diferente?
—Cuanto más instalada está una canción, más soporta. Podés cantarla sin siquiera tocar un instrumento y ya te dice algo o hacerla con una orquesta sinfónica porque soporta cualquier tipo de versión. Como las canciones que conocemos, que son clásicos y tienen versiones en inglés, en castellano, sinfónica, cantada por chicas, por chicos, más vieja, más moderna, más electrónica, más vintage. Y sin embargo, sigue siendo esa canción que le gana a cualquiera de los trajes que las vistan.
—Son casi 25 años de carrera solista, pero antes de empezar este camino ya eras conocido sin serlo de alguna manera, porque tus canciones ya eran hits. ¿Qué sentías con esa sensación de ser una especie de famoso anónimo?
—No recuerdo muy bien, pero estaba en una dinámica muy rápida, en el sentido de que había muchos proyectos. A la vez que estaba grabando Honestidad brutal, estaba haciendo canciones para mi primer disco y a la vez terminando de masterizar el disco de Turf. Fueron cinco o seis años que me la pasaba en estudio de grabación haciendo discos, con Enanitos Verdes, con Turf, con Andrés, con Javier. A la par empecé a escribir y a grabar los demos de mi primer disco, que salió en el 2002. Yo estaba fascinado, porque ya había sido papá y tenía que ponerme las pilas. Entonces estaba muy enfocado en hacer rendir mi tiempo, y escribiendo. Con respecto a popularidad, no flasheaba nada; obviamente que por una cuestión artística sí estaba detrás de mi propio disco, pero no soñaba con eso de ser conocido. Flasheaba con querer hacer un proyecto que es algo que siempre tuve y el hecho de trabajar para otros proyectos siempre fue algo pasajero, circunstancial, por la necesidad de mantener una familia, de hacerme conocido en un entorno y demás, pero siempre lo tomé como algo provisorio.
Fuente: Infobae — Ver noticia original